Emission radio. Live les Dimanches de 20h à 22h sur le 95 fm (RQC- radio locale Mouscron-Kortrijk- Lille Métropole).

En écoute ici en streaming.

Pataugeage dans toutes les mares ! (Rock, Electro, Jazz, Hip-Hop, leurs dérivés connus, inconnus ou oubliés)

Tous les Canards vont à la Mare est une réalisation produite par Animation Média Picardie.

co : touslescanards@gmail.com

dimanche 23 décembre 2012

Top Albums 2012 selon Rico

Goat -World Music
Stranded Records/Rocket Recording


Les suédois proposent un album riche et haut en couleurs psychédéliques, taclant sévèrement Black Angels sur leur propre terrain. Pas une fausse note, jusqu'au mystère quasi intégrale qui entoure cet opus. Une pure veine -fin des années soixante- et une grande valeur addictive. La Surprise et le Must de cette année 2012.

Sons of Frida/Rome Buyce Night - Orchestra
Zéro Egal Petit Intérieur


Innovant dans la maîtrise des tensions et libératoire dans les échanges, le duo de groupes ne forment qu'une entité aussi psyché que redoutable d'efficacité.

Ultra-Panda - S/T
Chanmax records


Oui, ce 6 titres est sorti en 2011, mais cette année a été bénéfique pour le combo, franchissant un à un les étages de la consécration. C'est amplement mérité... non seulement, on a du core et de la transe à tous les étages, mais en plus ça tiens bien, coincé entre les neurones. Et puis j'ai découvert le groupe en 2012 ! Fun is not a crime.

202 Project - Disco Quake
Le Son du Maquis



JP Marsall continue son hommage aux années 80, toujours avec le même bonheur. Plaisir plus que communicatif avec ce nouvel opus plus sensible et abouti.

Popoï Sdioh - Before & After Party
Nerves Prod/Brouillard Définitif

En 2012, les Popoï entérine une fois pour toute leur statut de groupe culte (sans prétentions), en délivrant un deuxième album hors-catégorie qui peut servir de clé d'entrée à celui qui veut découvrir le monde de la nuit et entendre les bruits de cave.

The Chariot - One Wing
Good Fight


Vous en connaissez beaucoup des groupes typés coreux qui vous arrache des larmes avec un piano... Pour son septième opus, The Chariot poursuit son expérimentation – bien à l'aise- se souciant bien peu des échos. Un album urgent, tendu, pointu et imparable de bout en bout. Dans le rayon véner, un cran au dessus du lot sans discussions.

Madame B - From Darkness, The Light
Zorch Factory Records
  
Des peintures à la photographie en passant par l'écriture, Madame B poursuit son développement d'Art éminemment riche et dense. Ce quinzième effort discographique (depuis 2005) est probablement le plus accessible.

Olivier Depardon - Un soleil dans la pluie
Vicious Circle


Le grenoblois aura pris le temps pour tenter l'échappée solitaire. Grand bien lui fit, Un Soleil dans la pluie est un album remarquable de justesse tant dans les mots que dans l'émotion et l'électricité.

Hawkwind - Onward
Plastic Head

Au concours de la pochette la plus moche de 2012, ils seraient probablement dans le trio de tête. Les anglais poursuivent leur carrière d'immortels en se fendant d'un double album épique et varié. Le temps n'a pas de prise sur ces monstres sacrés.

Apostrophe - S/T
Chanmax Records


Le trio Franco-Allemand se fend d'un album varié, référencé qui synthétise une bonne cinquantaine d'années de l'histoire de la contre-culture. Derechef, il devient lui-même un album de référence voué au trou du culte du monde du rock... les connaisseurs en rient encore à gorge déployée.  





Top Albums 2012 selon Mot'


Pontiak - Echo Ono
Thrill Jockey - 2012






Goat - World Music
Rocket Recordings, 2012







Brownout - Oozy
Nat Geo Music - 2012







Thee Oh Sees - Putrifiers II
In the Red Records - 2012







A Place To Bury Strangers - Worship
Dead Oceans - 2012







Future of the Left - The Plot Against Common Sense
Munich Records - 2012







The Soft Moon - Zeros
Captured Tracks - 2012








Moon Duo - Circles
Sacred Bones - 2012








The Chapman Family - Cruel Britannia
Best Before Records - 2012







Grand Duchy - Let the People Speak
Cooking Vynil - 2012









dimanche 9 décembre 2012

Album de la Semaine : Black Marble - A Different Arrangement


Black Marble - A Different Arrangement



Interview des Black Marble, par Matt Putrino de Prefix

Black Marble: Prefix Artist To Watch: Black Marble


Chris Stewart: So that was the first documented cross-country punk tour?

Ty Kube: They went on a tour together back when no one had phones or the Internet or anything. It’s about Youth Brigade and Social Distortion and all them. They did this [label] Better Youth Organization to show that punk was positive. They played with other bands that you know. Like when they got to DC they played with Minor Threat and shit. It was a big thing. They took a bus. I don’t think Social Distortion made it through the tour, do they? 

Prefix: No, no one does. 

TK: They leave and they’re all depressed. And along the way they interview all these different art kids and punks in each city and what they think about the scene and what’s going on with this new movement. It actually was new around that time. 

Prefix: So you’re interested in punk history?

TK: I am a lot. I grew up listening to that kind of music.

CS: [In] my high school, God only knew what the five punk kids were doing. You couldn’t find them if you tried. They were off somewhere, and it was like, “Who the fuck are these fucking kids?” And they were all in printing. All the hardcore punk kids were in printing. 

Prefix: Where was this?

CS: This was in Woodbridge, VA. A completely nondescript suburb outside of DC. It was every punk hardcore kid’s dream back then to make it to Richmond and play at the Biograph. Which is all gone now. For me, growing up, my dad was in the army and my mom was a prototypical army wife. My sister was a cheerleader and both my brothers played football. And they literally had no idea what to do with me, not only because I wasn’t good at any of those things, but because I came along like 10 years later, like a weird accident. So they had this family that was this tight-knit, touch down throwin’, military family, and then 10 years went by and they were like, “Oh what is this kid?” I was this cliché misfit. And one day they figured out I could draw really good. And they were like, “Oh he can draw.” They bought me a drafting table for my 16th birthday. 

TK: That’s cool though, my parents were like that too. I would rather have a good relationship with my kids, than be mean to my kids and have them be estranged. I had other friends who became punk rockers and they ran away. Seriously, one of my friends ran away to New York actually. 

Prefix: To a punk house?

TK: Yeah, he moved from Colorado. I’m from Denver. He lived out here, and I remember when I was 20 years old I went to visit this girl out here, and I stayed with him. And I was like “Oh my God, you ran away five years ago and you’ve been in New York, look at your life now it’s so cool and crazy.” But his parents used to beat the shit out of him and thought he was a weirdo. And he ran away. 

CS: I guess to go back to your original point of being into punk history, I really am. And for me it’s the cliché thing like, “Punk saved me.” It’s having this background, having everyone else in my family being good at these prototypical things. 

TK: You know what’s funny about my old punk friends? Two of them joined the Army and became Marines and shit. I remember the first one, when he was the first one to join when he was like 18, he was like, “If you want to beat the government, you need to go inside...” I was like, you’re a fucking crazy dude. He would tell me this shit, and now he lives a military life, and has a wife and lives in Hawaii on a base. I remember when he joined he said, “I’m just going inside just because I have no other option, I can’t go to college...” 

Prefix: Ladies and Gentlemen: The Fabulous Stains, from the description you sent me, sounds like a Hollywood fictionalized version of Another State of Mind

CS: The reason I like it is this crazy camp factor. Also Diane Lane, who is this uber-MILF now, at the time was like 16. Might even have been her first movie. I think it was ‘83 or ‘84. And so Hollywood was totally catching on to the punk stuff, and was desperately trying to churn out movies about punk. Lucky for her, she got to be in this movie. Not that it’s all that great. I just thought it was super-cool because it’s super cheesy, but at the same time, it does have a weird element of truth to it. They were making fun of something: if you live in Williamsburg, or if you live in New York for a while, it’s so heart-achingly true about getting older. The main scene that sticks out to me in that movie is when they’re all on tour, with these older guys, and they represented the Pink Floyd/Led Zeppelin era. And these older guys are like, “There are no sounds that haven’t been made before maaan.” And they’re like shooting up. It’s this pretty prescient idea that you can’t keep doing the same thing over and over again. 

TK: I think it is funny they tried to make a Hollywood version of punk shit, that reminds me of how when New Wave hit, Neil Young made a synthesizer album. 

Prefix: Yeah he made Trans

TK: Have you heard it? And Alice Cooper has a New Wave-y album. All these major artists were like, oh fuck, we’re making this rock music.

CS: It happened so fast. 

TK: That movie is their idea like, “We don’t know anything about this, but we’re going to try to make a movie about this subculture.” But looking back on it now, the movie is really cool. That’s the idea they had when they made that movie: “This is going to be a hit, this is what the kids are going for.” But it wasn’t at all. 

CS: As stupid as that movie was, it did have these certain moments. Towards the end she looks out [to the crowd] and there are all these girls with her same haircut. Obviously it’s super cheesy, but there are probably a million kids who have gotten really famous in bands and had that exact same moment. Imagine the Strokes in 2003, at their first really big show at the Bowery and everyone’s wearing a leather jacket. 

TK: Going back to the first question, if you read a lot about early UK punk history, a lot of those bands, the first thing they saw was the Sex Pistols. Like, “The Sex Pistols came to my town in ‘77. That [show] made me want to start a band.” Or the Clash came. It might not have been the same kind of band, but some punk-new wave band. There’s that movie, The Filth and the Fury, about the Sex Pistols with pictures of Shane McGowan as a little kid watching them play. And you can tell it’s him. Then he made the Nips and the Pogues. He saw the Sex Pistols, and even though the Pogues aren’t like the Sex Pistols, it’s crazy, drunk, wild-ass fucking music. 

Prefix: What about the movies that didn’t have such a direct connection with your upbringing. What made you choose something like The Holy Mountain?

CS: I wanted to include the Holy Mountain because of all its really bizarre, shamanistic imagery. A lot that weird imagery is becoming really current again. There are a couple video directors that are hearkening back to that stuff. The guy who did our first video was hipping us to these other videos. And they had a bunch of this really weird imagery. It was like the back of a girl’s head, somebody pulling a weird thing off someone’s arm, and a bird flies out of it. Super quick stuff like that. And when I saw those videos I was like, “Oh this is awesome. I want to make a Black Marble video like this.” And it wasn’t until almost a year later until I was talking about this and my girlfriend was like you have to watch this Jodorowsky movie. It only took me 10 seconds of watching to realize this is what people are doing now. For some reason that stuff is really resonant because it’s so odd. I don’t see a lot of it. That guy was on some super weird shit. He started his own religion. And everyone who was in that movie had to take a bunch of acid while they were filming. 

Basically it’s about a Christ-like figure, who has to meet seven different people who represent seven different aspects of human folly. They all also represent one of the planets in the solar system. The whole thing is he’s trying to climb the Holy Mountain to reach some sort of enlightenment, and he needs each one of these people to tell him something about what it is to be a human being. But what each one tells him is something negative about what it is to be a human. Each person represents a weirdness about being a human. 

Prefix: Who chose Daisies?

CS: I chose that one. Anybody that likes movies can tell you about the French New Wave and the Left Bank weirder guys, but I didn’t really know about the Czech New Wave. Which apparently came into being because there were grant programs in place from the government where they would give young artists and young directors all this money to make these movies. 

TK: It’s funny, they still actually have this shit. I stayed with a girl in Finland, and none of her friends worked, they were just artists [collecting] money. None of them did shit, but they got money. I don’t know if they do this there still, but they were definitely doing it in Finland. Not a ton of money, but all these kids are running wild. There’s a ton of punks and shit, a lot of music kids, tons of bands. 

CS: It’s about these two girls who are like 20 and 21, they are pretty hot so it’s fun to look at them. But they basically decide that the whole world is fucked up and they’ve gone bad. The whole movie they keep saying they’ve “gone bad.” The whole movie is this weird tactile decadence of them cutting pictures out of magazines of food that they like, and pasting it on the wall, and eating these gigantic plates of crumpets, then completely fucking shit up. It’s like two girls that just decide they are feminine anarchists. They go to an empty banquet hall and eat all the food and swing from the chandeliers and go “We’ve gone bad! It doesn’t matter anymore.” 

Prefix: Isn’t there a moment when they feel the guilt of all the decadence?

CS: Yeah I think it’s right after that banquet scene. They find the banquet hall-- I can’t remember if it was for a Wedding-- but they lock the doors and eat this entire fucking banquet. And they’re like feeding each other and like, “We love olives!” It’s a movie about complete anarchist decadence. It’s probably not that different from the environment the people who made the movie were living in. They were like, “Oh we get this money.” 

TK: Peter Pan syndrome. People around here. 

Prefix: What about Harry Nilsson and Ringo Starr’s animated one, The Point?

CS: Oh man that movie is fucking crazy. When I was 17 I met these girls and they lived in this abandoned mansion on a hilltop. It was all run down, and their mom was like a single mom, and she would get all dressed up in a push-up bra and be like, “I’m gonna go meet Daddy.” And she would go to the bowling alley to try to meet dudes. Meanwhile, one of them was 15 one of them was 16, they would just call everyone in the town to come over and eat acid and shit. But this one girl told me about this illustrated book and showed it to me. This really kind of cheesy metaphor of like...there was a pole of ants and little animals and larvae and stuff that was climbing this pole. And one of them was like, “Why are we climbling this pole?” and the other was like, “There is no reason, but we have to climb this pole?” And it was this really easy societal pressure kind of thing. When I started watching this movie, it struck me as the same. It’s pretty interesting. Ringo Starr doing the narration, and Harry Nilsson doing the soundtrack is obviously amazing. But everyone in the town has a pointed head, but this kid gets born with a round head. So it’s about being different.

TK: It almost goes back to the first movie in a way, these kids. 

CS: I forget the name of the town, but I think it’s like “Pointville.”

Prefix: Yeah everything’s pointy in the town. 

CS: I thought it was really cool because the illustration style is really cool. It reminds me of being a little kid and my parents getting HBO for the first time, and watching animated The Hobbit

Prefix: Did you ever go to art school?

CS: Yeah I went to VCU for a weird amalgamation of film, and video art, and illustration and some graphic design. For the band we do all our own everything. 

TK: Different bands have different aesthetics, and for this band, the aesthetic matters about things. I feel like some of the others don’t care as much. 

Prefix: You guys have had a consistent typeface since the first EP. 

CS: Bodoni BE.

TK: That’s the logo of the band. That’s going to be on everything. We just made a mixtape and that’s on there. That’s on the new album. That’s on the first EP.

Prefix: Has it always been just you two making these recordings?

CS: I’d always wanted to do something more than be a designer. And all my friends have always been in bands. I got to this point, where you can get up and finally see the terrain. And I literally saw myself like ten years ahead of time, like going into meetings with coffee breath. Talking about like Colgate. Making banner ads about Colgate. And I thought, this is just not going to fucking get done. And I’d gone through a tumultuous typical cliche break up, where I didn’t shave for a year. I had a gigantic beard. So I taught myself all these music programs. Pretty quickly I figured out that what appealed to me was synthesizers. Because I didn’t really have to know how to [play music in a traditional sense]. Since I’ve learned how to play bass, it’s getting to the point where I’m good enough at it, but when I started Black Marble, I literally could not play anything. I didn’t know anything about anything. I just made these songs because I wanted to see if I could make these songs. I would play these songs for some of my friends who have been in bands their entire lives, and some were good and some were shitty. 

TK: I remember the other day we were listening to the first songs. 

CS: Yeah and I got enough encouragement that I continued to make more. I started accumulating analog synthesizers and figuring out how they all work together. Figuring out and buying an MPC, figuring out how drum machines can be strung up through MIDI to clock the BPM and clock synthesizers’ arpeggiators. As I learned more and more about it, I never thought we’d play shows. I remember the original thing was, I’m going to make this band, and I’m going to make a mixtape, and I’m going to give it to my friends. And it’s going to have cool outtakes.  Then it got to the point where I really wanted to make something of it, I was like, “Let’s really fucking do this.” 

CS: It’s more about learning all this old technology. 

TK: We had to practice 30 days in a row for the first show. We have other bands in our practice space and they make it more of a party-- I’m getting too old for that shit. 


Line-Up
Ty Kube
Chris Stewart

Label
Hardly Art

Tracklist
01 – Cruel Summer
02 – MSQ No-Extra
03 – A Great Design
04 – A Different Arrangement
05 – Limitations
06 – UK
07 – Static
08 – Pretender
09 – Last
10 – Safe Minds
11 – Unrelated




dimanche 25 novembre 2012

Archive de la Semaine: Blondie - Eat to the Beat (1979)


Formellement, l’affaire Blondie est entendue depuis bien longtemps. Une blonde magnétique comme jamais –qui chante comme une chanteuse soul, avec la gorge chaude- entourée d’une poignée de geeks avant l’heure tout à leur affaire de jouer du reggae et du punk en se prenant tous pour Bryan Ferry. L’amour fou et éconduit de Jeffrey Lee Pierce (Gun Club) développe un phrasé marquant aussi à l’aise dans le rap que dans  le punk ou la pop mielleuse. Les musiciens, menés par le chef d’orchestre Chris Stein assurant avec le même plaisir la défense de tous ces genres abordés.



La seule question persistante à propos de ce groupe repose sur le paradoxe offert par une image, on ne peut plus propre qui habille des propos parfois cinglants voire sales.
Musicalement Eat to the Beat qui sort en 1979 est le parfait décalque de Parallel Lines de 1978 – 3iè plaque du combo new-yorkais-.  Ce dernier effort eut été parfait, si le single rigolo « Atomic » y avait trouvé sa place. Un riff de guitare pareil en attaque valait-il l’effort d’un album ?


En fait, Eat to the Beat est l’album idéal pour entrer dans l’univers de Blondie. Un titre comme « Victor » pousse le groupe dans les sillons d’un heavy-rock épique cinglant pour une ambiance que ne renierait pas Epica ou Within Temptation (sic).  Grand écart assumé avec  un titre comme « Sound a Sleep » perle sucrée complétement dispensable qui fera les beaux jours des musiques de 16h30 durant toutes les eighties. Pour ceux qui doutent, Blondie aime le punk autant pour l’énergie que pour le propos social. «Leaving in the real world » en terminus met les pendules à l’heure.  
 Présentée souvent comme le pendant américain de la new-wave anglaise, la musique de Blondie brasse une flopée de genres avec une aisance déconcertante. Le Reggae, la Pop sucrée, le punk rageur, le rock lourd, ou encore la disco. Le groupe a une personnalité multiple et pourtant immédiatement reconnaissable. En 1978, ils reprenaient le « Ring of Fire » de l’homme en noir avec une gouaille toute sudiste, sans frémir. Debbie Harry, n’est pas le genre de fille à avoir froid aux yeux.  Pendant la période d’enregistrement, elle s’est retrouvée un soir –selon ses dires-  attablée puis raccompagnée en voiture par Ted Bundy.  Elle reconnaîtra le serial-killer en le voyant par la suite à la télévision pour son arrestation.


Sur cet album, un titre comme « The Hardest Part » ouvre la voie au groove froid pour un David Bowie qu’il reproduira  par exemple dans « Fashion ». « Shayla » est un titre emblématique de la force des textes de Debbie Harry pour dépeindre le contenu social, bien sûr, appuyé par une musique sucrée, juste avant  le titre éponyme qui est un glaviot punk radical (avec harmonica !). Pour terminer la revue des titres (hits !) contenus dans cet opus, il nous faut nous arrêter sur le sombre « Accidents never happen », titre marquant, entêtant.
Finalement « Atomic » aurait pu se trouver sur Parallel Lines, cela aurait renforcé encore l’impact de cet album classique parmi les classiques.


"Accidents never happen"

Tracklist : Dreaming- The Hardest Part – Union City Blue –Shayla – Eat to the Beat – Accidents never happen – Die young Stay Pretty – Slow Motion – Atomic – Sound a Sleep – Victor – Leaving in the real world



Album de la Semaine : The Jim Jones Revue - The Savage Heart


The Jim Jones Revue - The Savage Heart


Interview de The Jim Jones Revue, par Olivier Kalousdian de Sound of Violence

Un quintet qui joue du rockabilly revisité sur des instruments spécialement fabriqués pour eux à cause des coups qu'il doivent encaisser, ça décoiffe, même les gominés ! Cinq garçons dans le vent, bien malgré eux, d'une mode qui nous impose le vintage et les fifties quand ceux-ci ont toujours vécu avec, ça attise la curiosité des puristes. Des décibels comme s'il en pleuvait, un chanteur à la limite de la rupture dans ses vocalises et une aura médiatique comme une traînée de poudre à canon en seulement trois ans... tel est le cocktail que distillent The Jim Jones Revue dans un style qui n'appartient vraiment qu'à eux !

Vous venez de terminer une série de concerts et de festivals en Europe et en France cet été, comment ça s'est passé ?

Jim : Super ! Cela a toujours été un plaisir pour nous de venir jouer en France. Nous avons aussi un concert prévu ici, à Paris, le 28 novembre, à la Maroquinerie.

La mode, qu'elle soit vestimentaire ou musicale, nous ramène, depuis un an ou deux vers le vintage et les fifties. Ça vous amuse de voir cela ? Que pensez vous de cet épiphénomène ?

Jim : Nous n'en pensons absolument rien !
Rupert : Nous avons toujours aimé cette période et tout ce qui va avec, et cela depuis vingt ans au moins. Certains veulent se réapproprier cette période pour des raisons de mode ou de marketing, soit... Nous parlions, juste avant ton arrivée, des influences nouvelles de ce nouvel album, The Savage Heart et on nous demandait d'où elles venaient. Elles viennent toujours de la même époque, mais nous les regardons, aujourd'hui, avec un autre angle. Une chose de valeur reste une chose de valeur et une autre sans intérêt aura du mal à en procurer, même avec le temps... À propos de cette mode, comme toujours, les gens en font trop et cela n'a plus rien de vrai.
Jim : Il y a eu les fifties bien sûr, mais les années trente nous influencent aussi beaucoup avec une musique très axée sur le son de piano qu'Henri aime particulièrement et une mode qui mériteraient le détour. Nous ne nous sommes jamais focalisés uniquement sur années 50.

Jim, tu as joué dans quelques groupes avant The Jim Jones Revue : Thee Hypnotics, Black Moses... Quand as-tu réellement démarré ta carrière de musicien ?

Jim : J'ai joué mon premier concert à l'âge de quatorze ans dans un groupe appelé Voodoo Jive. Nous faisions des reprises de Ziggy Stardust, du Johnny Thunder & The Heartbreakers et des chansons de Jimmy Hendrix. C'était sûrement mauvais, mais ce fut ma première vraie motivation pour devenir musicien. Depuis, la musique a pris une importance grandissante dans ma vie. Et même si, aujourd'hui, je suis toujours dans un processus d'apprentissage, je pense que The Jim Jones Revue a une ambition bien définie et toutes les chances de parvenir au but.

Vous sentez-vous comme les héritiers naturels de The Cramps ou The Meteors et, d'une certaine manière, les nouveaux Teddy Boys d'Angleterre ?

Jim : Nous n'avons jamais vu les choses de cette façon… Je ne connais personne qui puisse dire, je suis le nouveau Teddy Boy d'Angleterre !
Rupert : Nous sommes cinq individus aux personnalités différentes mais jouant ensemble la même musique. C'est ce qui donne l'alchimie du groupe. Nous ne portons aucun étendard si ce n'est celui de nos personnalités s'exprimant en même temps sur des compositions que nous partageons dans une ambition commune. Cela intègre du rock, du blues et beaucoup d'autres influences mais nous ne classons pas notre travail dans un fichier ou une petite boîte libellée de tel ou tel mouvement ou tendance.
Jim : Il faut en revenir à comment ce groupe est né. Il ne s'est pas formé parce que nous étions des potes de beuveries ou des amis d'enfance, l'alchimie s'est produite la première fois que nous nous sommes réunis, c'est une chance que d'autres n'ont pas et que tu ne peux pas planifier. Tu peux essayer de réunir, comme c'est le cas depuis quelques temps, de grosses pointures du rock et inventer un nouveau super groupe incluant des membres de Led Zeppelin, Nirvana ou de je ne sais qui encore, à l'instar d'une super équipe de football composée uniquement des attaquants les plus chers de la planète, mais cela donne toujours des résultats très médiocres. Tu ne peux pas fabriquer l'alchimie musicale.

Justement, quelle est l'histoire de votre rencontre ?

Jim : C'est une histoire avec beaucoup de chance dans le timing. Je parcourais beaucoup de concerts à Londres avec Rupert qui officiait comme tourneur de mon ancien groupe, le genre de concerts que les gens te poussent à aller voir en disant que c'est vraiment incroyable et nouveau. Mais, non, ce n'était ni nouveau ni incroyable. C'était souvent merdique ! Rupert m'a par contre fait découvrir un tas de musiciens talentueux qui jouaient du blues issu du Mississipi. Après les Black Moses, Rupert m'a convaincu qu'il nous fallait tenter de jouer ensemble et proposer autre chose.
Rupert : Je connaissais déjà Jim du temps des Thee Hypnotics parce que je partageais un appartement avec son bassiste. Il ne me connaissait pas vraiment, mais nous allions déjà aux mêmes concerts et partagions dans les mêmes influences rock.
Jim : Rupert connaissait déjà Nick Jones et j'avais rencontré Eliot Mortimer (ndlr : ancien claviériste de The Jim Jones Revue) par le biais des Thee Hypnotics. Notre point commun était notre intérêt pour le rock, version Jerry Lee Lewis et Little Richard. Mais, une fois dit ceci, comment faire pour jouer tous ensemble sur ces nouvelles bases ?
Rupert : Je me souviens de la conversation avec Jim à ce moment : « Cette musique est géniale, enfermons nous dans une pièce et essayons de jouer comme eux et écoutons ce qu'il en sort ! ». Le premier titre à en être sorti fut une reprise de Little Richard,Hey Hey Hey Hey.
Jim : J'avais un ami qui tenait un club dans l'est de Londres, le Gipsy Hotel. Il nous a proposé de jouer chez lui si nous pouvions lui proposer plus de titres. Dès le premier concert, le public s'est mis à danser et les propositions ont afflué de la part d'autres patrons de clubs ou de salles. Le buzz a été immédiat et nous avons commencé notre carrière dès ce premier passage.

Tous autant que vous êtes, vous jouez un son très typique du rockabilly et du rock garage, presque agressif. Est-ce que vous avez grandi dans cet univers musical ?

Jim : Oui. C'est de la sorte que tu te formes, non ? Quand la musique fait travailler ton imagination, tu sais que ça colle.
Rupert : Personnellement, j'ai toujours été attiré par les sons de guitare agressifs, notamment dans le punk. Plus jeune, j'ai vu les Ramones en concert et cela m'a terriblement marqué. Mais il y a une énorme différence entre aimer ce son et jouer ce son ! Et pour y arriver, tu es obligé de tout donner et d'impliquer tout ton corps dans ton jeu. Si tu prends Johnny Ramone, il a une méthode de guitare assez simple, mais il joue tellement brut, il est tellement direct dans ce qu'il fait qu'il sort un son unique. Ce qu'il y a c'est que jouer de la sorte pendant une heure et demie et plus, cela demande une grande quantité d'énergie. Si tu veux t'entraîner ou savoir si tu es assez en forme pour faire ce style de rock, lance toi sur la partition de James Williamson sur le titreRaw Power des Stooges, c'est plus efficace d'un club de gym, crois-moi ! The Jim Jones Revue a le même engagement physique, inspiré de ces guitaristes et de ces groupes à l'énergie brute.
Jim : Plus tôt, tu me demandais comment je pouvais chanter si fort... mais, en fait, je n'ai pas le choix ! J'ai tenté de chanter normalement, de limiter la puissance dans ma voix, mais cela n'avait rien de convaincant. Tu chantes à 120% et, quand tu écoutes, on a l'impression que tu ne te donnes pas et on ressent à peine 20%. Il te faut donc pousser à 500% pour devenir à peine convaincant ! Que ce soit pour moi ou pour mes collègues de scène, sors-toi les doigts du cul ou quitte la scène !

Jim, tu chantes avec une énergie venue d'ailleurs et un ton à réveiller les morts. Quand on t'écoute en concert, on ne peut s'empêcher d'être inquiet pour la santé de tes cordes vocales. Comment parviens-tu à chanter avec tant de puissance sans endommager ta voix ?

Jim : C'est une question d'entraînement. Les premiers sets, je devais stopper pendant plusieurs jours, ensuite, pour reposer ma voix. Rupert m'annonçait « Attention, nous avons dix shows à assurer d'affilée ! » et je lui répondais « Oh non, comment vais-je faire ? ». Il faut dire qu'au début, je ne refusais aucune fête et je buvais pas mal, ce qui n'arrange rien côté voix. Si tu veux t'engager sincèrement dans ce que tu fais, il faut que tu assumes les conséquences et que tu suives un semblant de ligne de conduite. Pour donner de la voix, comme je le fais chaque soir d'une tournée, il faut en prendre soin. Et puis, graduellement, ta voix devient de plus en plus robuste. »

Et ce que tu donnes dans la voix, les autres membres le donnent sur leurs instruments qui sont utilisés à leur maximum, pour ne pas dire maltraités ! Vous avez une marque, des exigences de fabrication particulières pour vos instruments, notamment pour le clavier ?

Jim : Absolument. Nous connaissons un gars super cool chez Roland, la marque de claviers. Bien sûr, l'idéal pour nous serait d'obtenir le son d'un vrai piano sur scène, mais tu ne peux pas te trimballer un tel instrument dans le Van ou le bus et, de plus, il faudrait le réaccorder tous les soirs. C'est pour cela que nous avons un piano électronique, et le meilleur d'entre tous est le Roland RD 700. Cette personne de chez Roland permet à Henry de jouer comme il joue. Sans ça, la puissance qu'il y met casserait le cadre du clavier tous les soirs !

Henry est votre nouveau claviériste depuis quelques mois, pourquoi Eliot Mortimer vous a-t-il quittés ?

Rupert : Il en avait assez. Il ne pouvait plus accorder sa vie privée avec les tournées et le groupe. C'est un grand musicien et il a posé les fondations du son du piano dans le groupe mais il a dû prendre une décision, sûrement difficile.

J'ai vu, sur Internet, le set improvisé au piano que Henry a donné à l'aéroport de Roissy Charles de Gaulle cet été. Quelle est l'histoire de ce récital ?

Rupert : Quand tu es toujours entre deux autoroutes ou deux avions, ça arrive ! Nous venions de terminer un concert à Montpellier et nous devions nous rendre à Copenhague le lendemain. Ce qui veut dire, conduire la nuit pour se rendre à Marseille, puis prendre un avion pour Paris, puis se rendre d'Orly à Roissy-Charles de Gaulle, puis prendre un avion pour Copenhague. Nous étions donc à Roissy, avec quelques heures à tuer et sans avoir dormi depuis vingt-quatre heures, et il y avait ce piano dans la salle d'attente. Nous nous ennuyions tellement que Henry a décidé de jouer quelques morceaux et nous l'avons filmé ! Si tu as vu le clip sur Youtube, tu as du noter deux femmes à l'arrière-plan qui font comme si elles ignoraient ce qu'il se passait, alors que Henry joue comme un forcené ! C'était très tôt le matin et il n'y avait pas grand monde. Avec nous quatre, habillés en cuir et en noir, épuisés, il fallait voir le tableau ! Il faut que nous renouvelions l'expérience à un moment où l'aéroport est plein (rires). Henry est comme ça, il ne recule devant rien !

Est-ce qu'il a cassé le piano ?

Rupert : Non, mais il l'a bien abîmé quand même (rires) !

Votre nouvel album se nomme The Savage Heart. Saviez-vous que c'est aussi le nom d'un nouveau site de rencontre, toutes orientations, basé en Angleterre ?

Jim : Vraiment ? (rires) Non, nous ne le savions pas. Ça doit être un site très excitant !

Plus sérieusement, pour votre premier album, The Jim Jones Revue, vous n'aviez pas de producteur. Comment travaillez-vous aujourd'hui ? Comment avez-vous rencontré le producteur de ce nouvel album, ex-membre des Bad Seeds, Jim Sclavunos ?

Jim : Jim est venu voir nos concerts très tôt. Il nous a souvent conseillés et quand tu connais les groupes avec lesquels il a travaillé, notamment Nick Cave mais aussi Sonic Youth ou The Cramps, que peux-tu dire à part « OK, je veux faire de la musique avec lui » ? Il était le parfait producteur pour nous, spécialement pour ce nouvel album. Quand tu te lances dans des contrées que tu n'as pas encore explorées et que tu cherches des sons nouveaux, il est facile de se perdre en route et de sortir de la zone que tu as fixée. Pas question de se retrouver expérimentateurs musicaux et de sonner comme Genesis ! Avec Jim Sclavunos à tes cotés, tu peux être sûr qu'il te surveille comme son enfant et qu'il mettra les limites quand il le faut. Il a travaillé avec des groupes qui ont une si grande expérience et de telles qualités dans la recherche de sons nouveaux tout en restant du bon coté de la force que tu peux y aller les yeux fermés et avoir toute confiance dans son jugement.

Où avez-vous enregistré The Savage Heart ?

Rupert : Il a été enregistré dans trois lieux différents. Le premier studio était une ancienne chapelle dans le Lincolnshire, au milieu de l'Angleterre. Il y a là-bas un son incroyable et nous y avons enregistré les chœurs et les voix. Nous avons fait l'overdub et les arrangements chez Edwyn Collins aux West Heath Studios. Au-delà du lieu et de son environnement qui sont carrément magiques, Edwyn est un collectionneur patenté qui stocke dans ses studios des trésors d'instruments et d'accessoires vintages aux sons uniques.
Jim : Imagine que la console de mixage elle-même a été customisée par Georges Martin, le petit génie des Beatles ! C'est un mélange fou de super technologie et d'appareils que tu ne trouveras plus jamais, nulle part ailleurs. Sa femme est désespérée de voir, presque toutes les semaines, des commandes livrées chez eux après qu'Edwyn ait acheté tel ou tel micro des années 60 sur Ebay à un collectionneur de l'autre bout de la planète...
Rupert : Le mixage final de l'album a été fait à Londres par Jim Abbiss aux Miloco Studios.

Quel est le secret de The Jim Jones Revue pour offrir ce son si particulier et si vintage ?

Jim : Comme nous le disions, ce qui compte par-dessus tout pour le groupe c'est l'engagement moral et physique que tu y mets. Il doit être total pour drainer, avec toi, l'esprit du rock que nous jouons.

L'édition anglaise du magazine Mojo vous a consacrés meilleur groupe de live en 2011. Quelles sont vos pires et vos meilleurs souvenirs sur scène ?

Rupert : Le pire, c'est un concert qui a été annulé à la dernière minute en France, à Alençon en Normandie. C'était en octobre 2011. Tout ça à cause du manager de la salle qui a refusé le niveau sonore que nous lui demandions ! Nous comprenons qu'il y ait des limites sonores fixées par la loi pour les risques auditifs, mais nous n'avons jamais pu négocier un arrangement avec lui.
Jim : Dés le départ, je pense que cette personne avait décidé de nous mettre des bâtons dans les roues car nous avons accepté de baisser le volume trois fois, de débrancher la batterie de l'amplification et de passer les voix par les amplis guitares, en vain ! Rien n'y a fait. A chaque fois, quelque chose n'allait pas pour lui et ses mesures de décibels. Il a donc annulé le concert, à notre grand regret. Henry, qui parle français couramment, nous a raconté que ce manager de salle (ndlr : en réalité, un club où avaient été transférés The Jim Jones Revue à la suite d'un changement de dernière minute) allait raconter au public présent que nous étions à l'origine de l'incident et que nous avions décidé de ne pas jouer ! Du coup, Rupert a écrit un texte que Henry a lu au public pour expliquer la vérité.
Rupert : C'était une sale histoire, mais nous avons promis de revenir jouer à Alençon. Paradoxalement, mon meilleur souvenir de concert est aussi basé en France. C'était notre concert de fin 2010 à la Machine du Moulin Rouge à Paris. Nous avions déjà une petite habitude des salles et du public mais, ce soir là, quand nous sommes entrés sur scène, j'ai eu la sensation d'avoir à faire à des supporters de football déchaînés ! Cela a déclenché une décharge électrique qui a envahi tout le groupe. L'air était chargé d'électricité comme cela arrive dans les meilleurs sets où le public et le groupe sont interconnectés.

Si vous aviez l'opportunité de composer une Bande Originale de film, aimeriez-vous travailler avec Jim Jarmush ou David Lynch ?

Rupert : Jim Jarmush pour moi.
Jim : Je choisirais David Lynch et son univers...

Quels sont vos disques de chevet en ce moment ?

Rupert : Rien à voir avec nous, mais j'écoute énormément Ian Dury & The Blockheads en ce moment. Étrangement, j'avais raté cet artiste plus jeune et je le redécouvre depuis six mois. Les paroles comme les arrangements sont très ingénieux.
Jim : J'écoute beaucoup l'album Afro-Bossa de Duke Ellington. C'est une version étendue du disque original avec ces mélodies et ces sons sauvages, presque jungle avant l'heure. Je suis toujours surpris en le réécoutant.

Beatles ou Rolling Stones ?

Jim : Rolling Stones.
Rupert : Les deux !

Jerry Lee Lewis ou Elvis Presley ?

Rupert : Jerry Lee Lewis.
Jim : Elvis.

The Cramps ou The Sonics ?

Rupert : Celle-là est trop compliquée (rires) ! The Sonics.
Jim : Alors moi je prends The Cramps ! Tu vois, c'est ça un groupe, des individualités qui savent aller dans le même sens...


Line Up :
Jim Jones : Chant et guitare
Rupert Orton : Guitare
Henri Herbert : Piano
Gavin Jay : Basse
Nick Jones : Batterie

Label :
Pias

Tracklist :
01 – It’s Gotta Be About Me
02 – Never Let You Go
03 – 7 Times Around The Sun
04 – Where Da Money Go
05 – Chain Gang
06 – In And Out Of Harm’s Way
07 – Catastrophe
08 – Eagle Eye Ball
09 – Midnight Oceans & The Savage Heart