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dimanche 26 janvier 2014

Album de la Semaine : Mogwai - Rave Tapes

Mogwai


Rave Tapes


Interview de Mogwai, par Thomas Burgel des Inrocks

Près de 20 ans de carrière et une “young team” qui a su, définitivement, gagner son indépendance, multiplier les projets et ambiances sans, jamais, renier ses qualités initiales : Rave Tapes, nouvel album de Mogwai, en est une preuve éclatante, belle, spectrale, encore pleine des fantôme habitant la précédente et magnifique bande-son des Revenants, dont les Écossais avaient la charge.
Quelques jours avant sa parution, l’intégralité de l’album est en écoutesur Soundcloud : un clic sur ce lien et il déroulera ses beautés et cauchemars, l’occasion également de lire ou relire l’interview que nous a récemment offerte Stuart Braithwaite.
ENTRETIEN

Mogwai a 20 ans d’existence : es-tu fier de cette longévité ?

Stuart Braithwaite : Je n’aime pas ce mot, “fier”, je préfère celui de “content”. Je suis avant tout content de ce que nous sommes, humainement parlant : je pense que nous sommes de bien meilleurs amis que nous ne l’étions au début du groupe. Au départ, on rêvait de jouer pour John Peel, et de faire un concert au Barrowlands, une salle importante à Glasgow. Et encore, on rêvait surtout de réussir à faire la première partie de quelqu’un, rien de plus. Vingt ans plus tard, on a simplement de la chance, de continuer à faire de la musique. Et de pouvoir le faire en se sentant un peu plus en sécurité qu’en enregistrant nos tous premiers disques : nous publions nos chansons nous-mêmes, nous possédons notre propre studio, ça nous offre une certaine liberté. On a surtout de la chance de voir que des gens continuent à s’intéresser à nous… On essaie toujours de nous forcer à réfléchir autrement, de faire les choses un peu différemment : il serait impossible de justifier notre existence si on se contentait de se copier-coller d’un disque à l’autre.

Comment conserver, sur la durée, son excitation, son désir ?

La manière de ne pas la perdre est une certaine éthique de travail : nous travaillons beaucoup. Et, dans le même temps, nous attendons toujours beaucoup de nous-mêmes. Mais les choses sont peut-être encore plus simples : nous continuons à nous exciter en jouant des choses qui nous excitent. J’ai quelques amis qui tiennent des magasins de disques à Glasgow : ils passent leur temps à me faire découvrir des choses intéressantes, le fait de tourner beaucoup permet aussi de voir jouer pas mal de nouveaux groupes, tout ceci permet de ne pas s’endormir, de penser les choses autrement.

Y a-t-il des groupes que tu admires pour leur capacité à durer ?

En termes de longévité, j’admire The Cure ou Sonic Youth pas exemple, qui ont réussi à maintenir leurs exigences initiales malgré les années, la lassitude qui peut survenir, le piège du confort dans lequel on peut tomber, qui se sont constamment renouvelés, ou qui ont su évoluer.

Quels sont les événements les plus importants que tu aies traversés ces dernières années ?

Je ne sais pas… (silence) Mon père est mort il y a deux ans, c’est sans doute l’une des choses les plus importantes que l’on peut traverser dans une vie. Ca bouleverse évidemment beaucoup de choses dans sa manière de penser, mais je suis incapable d’expliquer précisément ce que ça a changé en moi…

Tu t’exprimes souvent sur les nouveaux modes de consommation de la musique…

C’est un sujet complexe. Je suis inquiet par le système de streaming illimité par exemple, pour une raison simple : les artistes ne gagnent presque rien, c’est un système très injuste. Et c’est un système dangereux pour la musique elle-même : si personne n’achète de disques, si les plateformes de streaming ne paient pas les artistes, il n’y aura tout simplement plus d’artistes. C’est basique, mathématique, et il faut s’en soucier au plus vite. La disparition des labels n’est pas une bonne chose non plus : il y a évidemment eu et il y aura toujours des labels dont le seul objectif est le profit, mais la plupart sont indispensables pour leur fonction de tri, de recherche, de soutien. Sans eux, sans filtre, il y a beaucoup trop de musique, et beaucoup ne trouvent pas leur véritable place.

Et Mogwai ?

Nous sommes vraiment particulièrement contents de ce que nous avons fait pour Les Revenants. Le projet était excitant, et il nous a poussés à changer assez radicalement nos manières de faire.

La mort de ton père, un an plus tôt, a peut-être laissé quelques traces sur ce projet…

Je ne sais pas, peut-être… (silence) Je ne sais pas, c’est difficile à analyser, ce serait peut-être aller trop loin que d’entrer dans ces explications.

Quelle était l’idée à la base de Rave Tapes ? Quelque chose de précis ?

Non, pas vraiment. Nous voulions simplement faire un autre album, c’est tout : le reste, généralement, arrive en studio, par accident, par accidents heureux.

Il vient après Les Revenants, et les deux disques semblent parfois liés, comme si certains des fantômes de la B.O. vous avaient accompagnés en studio.

Je ne sais pas s’il existe un lien direct et conscient entre les deux disques, mais je pense que la musique que nous avons écoutée pour écrire la B.O. des Revenants a continué à nous influencer pour Rave Tapes -les bandes-son des films de John Carpenter, ou de Dario Argento, les disques de Goblin notamment. Mais l’équipement, notamment électronique, des vieux synthés par exemple, que nous avons utilisés sur les deux disques participe aussi peut-être de cette impression.

Que peux-tu me dire de l’enregistrement ? De la forme qu’a priseRave Tapes ?

L’album a été enregistré assez rapidement. Nous avons joué pour la première fois en live, pour une tournée en Grande-Bretagne,  Zidane: A 21st Century Portrait, et nous sommes ensuite immédiatement entrés en studio, où les choses ont été assez intenses. On a essayé beaucoup de choses, ensemble, et tout est venu naturellement. Encore une fois, des accidents heureux… Les éléments électroniques n’ont pas été pensés a priori, par exemple : ils étaient nécessaires aux chansons, elles allaient dans cette direction, nous l’avons suivie.

Comment décrirais-tu Rave Tapes ?

Je le trouve assez minimal, assez sombre, et je le trouve un peu à part dans notre discographie. Pour le reste, j’aime imaginer que les gens se feront leur propre avis, leur propre impression, différente selon les personnalités.

Tu sembles être quelqu’un d’assez politisé, est-ce que ça peut, même de manière lointaine, avoir un impact sur la musique du groupe ?

Je ne sais pas si je suis quelqu’un de particulièrement politisé habituellement, mais je m’implique beaucoup, autant que je peux, dans le référendum à venir sur l’indépendance de l’Ecosse. C’est pour beaucoup d’entre nous quelque chose de vraiment important : si l’Ecosse gagnait sa liberté, là je pourrais parler de fierté. Après, l’atmosphère générale du monde dans lequel nous vivons a sans doute une influence sur notre musique, mais je suis incapable de la mesurer.


Line Up :
Stuart Braithwaite
Dominic Aitchison
Martin Bulloch
John Cummings
Barry Burns

Label :
Rock Action

Tracklist :
01 – Heard About You Last Night
02 – Simon Ferocious
03 – Remurdered
04 – Hexon Bogon
05 – Repelish
06 – Master Card
07 – Deesh
08 – Blues Hour
09 – No Medicine For Regret
10 – The Lord Is Out Of Control
11 – Bad Magician 3 (Bonus Track)
12 – Die 1 Dislike! (Bonus Track)






dimanche 12 janvier 2014

Album de la Semaine : ERAAS - Initiation

ERAAS


Initiation



Interview d'ERAAS, par Ryann Donnelly d'Interview Magazine

You can take the boys out of New England, but you might have a hard time taking the dark and weird vibes out of the New England boys—unless they're filtering them directly into their music. Case and point: Robert Toher and Austin Stawiarz, the evil geniuses behind emerging band, Eraas. The pair united in early 2010 after the disintegration of their former project, Apse, an elaborate post-rock outfit signed to the cred-heavy ATP Recordings. Now based in Brooklyn, the new sound of Eraas blends various '80s "waves"—ever-moody and pulsing—with tasteful breaths of electronics. It feels solid and dance-worthy, without crossing too far into pop territory. Toher's warm, ghostly wails weave between the compositions, invoked with a sense of his rural upbringing around howling winds, barren winters, and potentially haunted colonial houses.

In anticipation of the October release of their self-titled debut LP on new Brooklyn label felte, Eraas have leaked two singles: "Briar Path" and "Fang." Both tracks retain Apse's attention to kinetic rhythms, but with a simplification of the dynamics and overall instrumentation. For Toher, who started Apse in 1999 at the age of 17, much of Eraas seems to be about finding the minimalist foil to his original musical impulses. When we chatted with him recently, Toher compared both projects, addressing the new sound, live setup, and approach to songwriting.


RYANN DONNELLY: What is the configuration of the band right now—for songwriting, and for live shows?

ROBERT TOHER: Live, we're a four-piece band. Songs are written by myself and Austin Stawiarz. Our debut album is coming out soon. We sort of wrote that together. I had started some of it on my own, and then joined up with him and wrote some new songs, and finished some existing pieces. For live shows, we like to have a full band atmosphere and setup. We don't use too much pre-recorded stuff, like I feel a lot of bands around [New York] are doing nowadays. We like it to be more visceral.

DONNELLY: Your previous band, Apse, had a bit more instrumentation. Are you happy with the more minimal setup of Eraas?

TOHER: Yeah, I am. Apse—which wasn't dissimilar from the kinds of things we're exploring with Eraas—was at one point a six-piece, with two drummers, and in the latter days had two guitar players, bass, drums, me doing various things, andvocals, and then someone doing clarinet or piano stuff. I mean, it was too much. It wasn't really efficient or sustainable. I would like to write a composition at some point that might employ a larger body of contributors in the live scenario, but as far as this project goes, and the music that we've written, and will continue to write—I envision it being performed by a quartet.

DONNELLY: Has the writing process been different with fewer people involved?

TOHER: The process has changed between the album we're about to put out, and the songs we're writing now, which is good. I'm glad that it's changing. I had started a lot of songs for this album while Apse was still together. We had put out kind of a shit album that got bad reviews, and it was the kind of album that, I thought, had too many different hands in the pot, and too many cooks in the kitchen, so to speak. So I just decided to write some of my own stuff, totally by myself, and just pretend no one would ever hear it. I figured that would be the way I could write stuff I really wanted to, without looking over my shoulder the whole time, which I had felt I was doing more and more with Apse at the time.

DONNELLY: How did you meet Austin?

TOHER: I met him when I was about 13. I grew up around him. He was born in the Bronx, and then his family moved upstate, just near the New York border where I was in Connecticut. And I'd see him at punk shows, and we became friends. He was actually in Apse for a long period of time.

DONNELLY: How are you guys approaching the sound differently for Eraas?

TOHER: With Apse, we had started playing in 1999, I was 17, and it was a three-piece band. We weren't listening to bands like Mogwai, and Explosions in the Sky, but we were leaning toward this "post-rock" genre. I really don't like how limiting that term is, but anyway, it was that kind of thing. And, as we got older, we started getting more interested in darker music, in tribal music, world music—but not in a cheesy way, or hopefully not at least. So we started incorporating those two worlds. We had this dark, atmospheric, tribal—even though that word is kind of loaded—"post-rock" band with all this crescendo, and that's really what Apse was. Eraas is different because we're still dark, but I feel like we've shed a lot of the teenager-ish qualities of Apse. Eraas is a little stranger, and darker in a much different, much older way—older world mentality. At the risk of sounding boastful, I think it's more sophisticated than Apse was.

DONNELLY: Are you planning how you want the music to progress, or how you want the next album to sound, or do you take it one song at a time?

TOHER: I don't have a real grand scheme, and I think that things are going better because of that. With Apse we tried to steer things so much, and were so conscientious—especially in the later years—asking, "What's the right way to do this?" We lost the original mentality, and the spirit, which was that we were doing it because we really enjoyed it. We want to take what comes to us, and just go with it, rather than steering it so much or thinking, "If we had a song that was like this, maybe we could raise a few more eyebrows." We started to get into that territory. It's always dangerous, as an artist. With Eraas, we made our first record, we learned a lot from it, and we're very happy with it, but we've started working on the next one. The next album is a bit different. It will sound like the same band, but it's just an album-by-album basis. Every different part of our lives is influenced by different things in art and music, or other circumstances, so I think we're just gonna take it as we go.

DONNELLY: You've been doing music since you were 17; does it feel like your job yet?

TOHER: [laughs] It does now, but not in the way that I dread it. There is so much time that goes into writing our music. And I really love only working with one other person. I only have to talk to one other person, convince one other person, or be persuaded by one other person. There's just way more freedom and flexibility, and also it's way more time efficient. But it does feel like my job. It's always on my mind, I'm always working on new stuff. We usually make a lot of music, and then pull a selection from that. There's always shit to do for it, and obligations. Obviously, we wouldn't do it if it wasn't worth it, though. No complaints.

DONNELLY: Can you talk about the imagery associated with the band? There seem to be a lot of references to where you're from in New England.

TOHER: There's a thing going on right now, and I don't know how much longer it will last. I cant think of the right word for it, but its this whole thing with the occult, and this kind of imagery—it seems to be really popular in independent music, here in New York, and in LA. There's a lot of this sort of element of feigning witchcraft. There's a lot of imagery and artwork that I think draws upon it. And band names. 

And that's fine, but I was raised Catholic, and a lot of Apse's music was spiritual to me in that it was about confronting paranoia, or trying to reconcile existential crisis: life, faith, and religion. It was never a direct thing where a song was about something specific, but it was more about setting the mood of that kind of stuff—the darker side—not of religion, but of spirituality, and sort of what one can open themselves up to—doors that you can open that you may not be able to close. So I think our imagery, always, before this new wave of bands latching onto the occult thing, has had to do with New England, rural New England, seasonal things, witchy, but not pentagrams or anything that direct—more like, nature as related to a darker kind of aspect of spirituality.

Line Up :
Rob Toher 
Austin Stawiarz

Label :
Felte

Tracklist :
01 – Looking Glass Pettibon
02 – The Dream
03 – Above
04 – Guardian Descent
05 – Old Magic
06 – Circling
07 – Splitting
08 – Initiation




dimanche 5 janvier 2014

Album de la Semaine : Haggard - Various Stages of Ice

Haggard

Various Stages of Ice



Review de l'album, par Bad Ass de Rock Station

Ce premier EP du trio Américain de rock psychédélique est vraiment impressionnant. Il faut dire que la voix extraordinaire de Kerrin Pantelakis, la chanteuse, y contribue largement.
Le groupe originaire de Philadelphie est donc bien parti pour durer, vu la qualité présente sur cet opus de 30 minutes à peine. Mais ces 30 minutes là valent bien le détour, et Haggard nous offre quelques moments de bravoure comme avec "Willow willow", "Various stages of ice", "O my death/Wooden nickel", "Loner", "Dead woman", "Our world" et le superbe "Make it rain".
Certes, il y a la superbe voix de Kerrin Pantelakis, mais il ne faut pas oublier Anthony Naccarato à la guitare et David Ulrich à la batterie. En tout cas, Haggard est un groupe à suivre et je suis persuadé qu'on les retrouvera très bientôt tout en haut de l'affiche.
Ma note : 8,5/10

Line-Up :
Kerrin Pantelakis on vocals and rhythm guitar
Anthony Naccarato on lead guitar
David Ulrich on drums

Tracklist :
01 – Willow Willow
02 – Loner
03 – Shock of Noise
04 – Various Stages of Ice
05 – O My Death Wooden Nickel
06 – The Long Rain
07 – Dead Woman
08 – Our World
09 – Make It Rain